Luis González Palma

El fotógrafo guatemalteco Luis González Palma nos invita a su particular mundo donde conviven la poesía, la fotografía y la pintura. En esta entrevista nos desvela algunas claves para entender mejor su obra.© Jorge Martín

¿Cómo empezaste en este oficio?

Por casualidad, azar, no sé bien, se dio como una forma de exploración personal.

¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara?

Sí, una Pentax creo que LX, 35mm

¿Cuál fue la primera foto o fotógrafo que te impresionó?

No me recuerdo cual exactamente, pero fue de Julia Margaret Cameron y/o de J. P. Witkin

¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo?

Los fotógrafos no me interesan mucho, me siento más cercano a los pintores, escultores o dibujantes, y hay muchos… entre ellos una artista portuguesa, Fernanda Fragateiro.

¿Con qué cámara sueles disparar?

Una Pentax 6×7, pero uso la que esté cerca, la que me pueda prestar cualquier amigo.

¿Tienes una óptica favorita?

No me interesa.

¿Horizontal o vertical? 

Horizontal.

¿Qué prefieres disparar a tiempo y hacer lo que esperabas o no llegar a tiempo y sorprenderte?

Todo mi trabajo es ficción, es decir, está planificado de antemano.

¿Reencuadras las fotos?

A veces.

¿Cómo te has adaptado al mundo digital?

Me da lo mismo, es una herramienta más, no sé nada de esto, tengo un asistente que me ayuda en estos asuntos.

¿Digital o químico? ¿Por qué?

Los dos, por qué solo uno?

¿Qué películas utilizas?

La que haya disponible.

¿Retocas las imágenes? ¿Con que software?

Yo no hago nada de esto, a veces lo hace mi asistente, pero en general no.

¿Cómo ves el panorama a día de hoy?  

Me imagino que preguntas sobre el panorama fotográfico… es una pregunta muy compleja ya que hay muchos panoramas, muchas formas de ver y de transformar el mundo y representarlo, y aunque hay mucho, no hay nada agotado, existe la voluntad de seguir indagando misterios a través de la imagen.

 

Usted nace en Guatemala en 1957, año en el que es asesinado el presidente Castillo Armas en un golpe perpetrado por la CIA. Con la edad de 19 años, en el 76 se produce un terremoto que deja a 1.2 millones de personas sin techo. La guerra civil concluye en el año 96 después de 36 años de conflicto cuando usted cumple 39 años. Parece que fuera inevitable que sus imágenes desprendan una profunda melancolía, una desazón …

Sí, el deseo de reflejar cierta poética melancólica es parte de mi proyecto creativo, es parte de su carácter puramente estético y político. Hay una melancolía pero no por añorar momentos pasados, como los acontecimientos dolorosos que mencionas. La hay como una forma de mostrar un cierto desasosiego, una consciencia de pérdida. De saber que uno va quedando como despojo de un tiempo que sigue su rumbo. En mis retratos intento mostrar la desazón humana de buscar algo que jamás se tuvo ni se tendrá, que somos hijos de la pérdida, de un paraíso caído y de un dios que nos abandono desde siempre.

Usted es fotógrafo por casualidad, de hecho ha mencionado muchas veces que no le interesa demasiado la toma sino que más bien es la idea lo que le atrae; la búsqueda mental de la imagen. Usted boceta siempre antes de hacer la toma , pasa del dibujo a la fotografía, ¿Tiene algo que ver con sus estudios de arquitectura donde también se pasa del boceto a la obra en sí, de la idea a la concreción de ella?

Sin duda pienso que sí, siempre he sentido que la arquitectura es una idea que contiene espacios, volúmenes que fueron pensados, razonados… en relación a mi trabajo fotográfico siempre tuve la idea de hacer ficciones, de construir en mi mente la imagen para luego realizarla.

De la serie LOTERÍA 1,   1988-1991
(La luna, el rey, la muerte, la máscara, la rosa, la dama, el diablo, el pájaro, la sirena)

Nos imaginamos que siendo usted fotógrafo autodidacta, al comienzo de su carrera imprimiría sus propias copias. ¿Sigue usted trabajando el laboratorio?

Así es, en los inicios de mi carrera, para ponerle algún nombre, yo imprimía mis fotos, había una gran pasión en ello, pasaba horas en el cuarto oscuro y el gozo de la experiencia era muy gratificante. Ahora pasa todo lo contrario, me parece sumamente pesado el copiar la imagen, me gusta trabajar sobre ella, en ella, pero luego de que ya está impresa, me interesa el azar sobre la obra, la sorpresa que me genera el encuentro con algo imprevisto, busco siempre una especie de acontecimiento en el proceso de elaboración de la obra.

En su primera época, utilizó el betún de Judea para intervenir sus fotografías cubriéndolas con un velo pero dejando sin pintar los ojos, lo que daba a los retratados una fuerza especial en la mirada (todos los retratados miran a cámara). Teniendo en cuenta la época tan convulsa que estaba viviendo su país en ese momento, ¿tiene algo que ver que no pintase esas miradas, como una forma de expresar que todo aquello que estaba pasando tenia testigos silenciosos?

Me parece muy pertinente tu pensamiento ante este tratamiento a los ojos, no lo había pensado y me gusta, tu lectura de la obra es muy hermosa. Por otro lado, sí tenía consciencia de que mi deseo era generar una mirada horizontal, sin jerarquías, quería que el modelo viera directamente a la cámara, deseaba que generara una empatía emocional en donde el espectador pudiera reconocerse en su fragilidad y desasosiego.

ESTRATEGIA QUE NOS UNE
De la serie JERARQUÍAS DE IDENTIDAD El Duelo  2005

Fue en la década de los 80 durante su paso por la Galería Imaginaria donde empieza a interesarle la manipulación, la intervención de sus fotografías como si de planchas de grabado se trataran. Ha utilizado papel de arroz arrugado, pan de oro, impresiones sobre seda,etc , en todas estas técnicas el resultado no es totalmente preciso. ¿ Al igual que el pintor Francis Bacon, considera usted la suerte una parte fundamental de su obra?

Totalmente, el azar es el más grande artista decía Balzac. Igual comparto con Francis Bacon mucho de su forma de pensar y sentir el arte, sin duda que él ha sido una enorme influencia en mis últimos trabajos. Busco intervenir sobre la obra, hay ideas sobre cómo manipularlas pero todas están sujetas a lo que vaya ocurriendo en el momento, muchas veces todo es sumamente imprevisto.

VARIACIÓN 8
De la serie JERARQUÍAS DE IDENTIDAD La Anunciación  2007

¿No le preocupa la falta de durabilidad que pueden tener sus copias al someterles a procesos no fotográficos o al utilizar soportes frágiles como el papel de arroz o la seda?

Para nada, aunque los materiales que uso tienen un tiempo de conservación relativamente alto. Pienso que las obras, al igual que uno, nacen y mueren, no importa cuánto tiempo sean perceptibles, pero el grado de degradación debe irse percibiendo poco a poco. La idea de perpetuidad en la obra es una ilusión de seguir viviendo en ella, pero estoy consciente de que es una ilusión.

Desde el origen de la fotografía, esta se ha utilizado como recurso al servicio de la pintura ¿Está en su obra la pintura al servicio de la fotografía?

No sé si la palabra sea estar al servicio, no es que una sirva a la otra, pienso que a mí me interesan como complemento, como agregar un gesto a una representación altamente tecnológica, es como la intención de dejar una huella, una forma de añadir una experiencia vivencial concreta.

De la serie TU MIRADA ME DISTORSIONA SIN SABERLO.
Guardaespaldas 2009

En Guatemala la presencia de la religión es muy grande aunque desde la Constitución del año 1985 Guatemala es un estado laico. Los elementos mayas son usados por devotos católicos durante procesiones o las elaboraciones de altares. En su obra hay claras referencias a este mestizaje e incluso una parte de su obra la dedica al perizoma de Cristo ¿Son estás referencias una señal de devoción o es simplemente una filtración de parte de su cultura?

No hay una devoción de mi parte, soy agnóstico pero me interesa sobremanera todo este tipo de ritual por su riqueza cultural, emocional y sobre todo estética. Considero que hay una riqueza particular en este sentido y sobre todo me apasiona la actitud de la gente ante estas experiencias relacionadas con lo sagrado, con lo divino, pienso que esto es fundamental para entender la razón de mi obra en relación a estos temas.

Durante siglos su país ha sido colonizado y expoliado por distintos países y hasta hoy en día muchos de las materias primas son explotadas por compañías extranjeras (las reservas de oro y de níquel son explotadas desde hace tiempo por países extranjeros gracias a concesiones de presidentes corruptos). En algunos entrevistas ha mencionado la influencia del arte Barroco en su uso del pan de oro en sus fotografías. ¿Se debe solo a eso o es una reivindicación, una manera de devolver el oro a sus legítimos dueños?

Nada que ver, mi obra tiene en este sentido un carácter netamente estético, pretendo de esta forma generar un diálogo con la historia de la representación en el arte barroco. El uso de este material tiene para mí una carga simbólica relacionada con lo espiritual y lo sagrado, el oro tiene todas estas connotaciones desde las culturas precolombinas y mi interés es rescatarlo e instaurarlo en un tipo de representación contemporánea.

De la serie ARA SOLIS Aquí estoy frete a mí. 2010

Nos imaginamos que con anterioridad algunas de sus fotografías han necesitado de colaboraciones (los bordados de la serie Acariciando la Angustia, o los montajes de Las Raíces del Paraíso) pero en todas ellas el colaborador era mudo. ¿Qué experiencia tiene al colaborar con Graciela de Oliveira-su mujer- donde interviene de manera activa en su obra?

La colaboración de Graciela ha sido muy variada, en varias obras su colaboración viene desde el plano de la literatura, tanto escribiendo el título de algunas series, como la escritura de ciertos poemas inscritos en ellas, (“conjugación de intimidad”, “Tu/Mi placer”) o en obras más desarrolladas como “La separación” en donde su colaboración fue la escritura de un guión teatral, aparte de lo performático, ya que la peluca utilizada en toda la serie se hizo con su propio pelo, luego de que ella en un gesto casi ritual se rapara y donara su cabellera al proyecto. En otras obras, (“la anunciación”) son fotografías de sus manos y de mis manos, tomadas entre nosotros, así que hay varios niveles de colaboración en muchos proyectos realizados en la primera década del 2000.

Su vida sufre un profundo cambio al cambiar de país y volver a casarse y de repente aparece el color en su obra.¿ Fue al dejar atrás Guatemala cuando su estado mental le permitió este cambio o el cambio provino de una fuente emocional distinta?

Pienso que tener hijos tuvo mucho que ver. Había una especie de “actualización” cromática con el mundo, ya no todo estaba teñido de un manto melancólico y pensaba que el “lirismo” en el trabajo se podría trabajar desde perspectivas cromáticas diferentes.

De la serie MÖBIUS 2013/2014/2015

En referencia a su trabajo Möbius, nos podría comentar si esta frase sobre un texto de Deleuze le parece apropiada para entender esta obra: » Uno escapa la representación a través de la repetición, porque cada repetición conlleva una diferencia, y actualiza la fuerza que la impulsa de una manera cada vez más plena»

No conocía el texto que mencionas y me parece acertado. He leído a Deleuze como una referencia importante para este proyecto, pero más que nada por la idea de “sensación” y para conocer desde su punto de vista el trabajo de Francis Bacon que es capital en parte del proyecto. Pero acuerdo con él. Había en mí una necesidad de no continuar tomando fotos y de “rescatar” mucho del material no utilizado en obras de los años 80 y 90 reactualizándolo, dándole un nuevo sentido más fresco y distinto.

De la serie MÖBIUS 2013/2014/2015

En el proyecto Möbius como ha dicho alguna vez, por fin pinta!!. Hemos leído sobre la influencia del Concretismo y Neoconcretismo en esta obra aunque a nosotros nos parece más cercana al Suprematismo y en especial a El Lissitzky (curiosamente también arquitecto). ¿Nos puede aclarar sus influencias? .¿Piensa que al final la pintura va a fagocitar a la fotografía en su obra?

Möbius nació con la idea de reflexionar sobre las dos formas de representación más significativas que se dieron en América Latina en el siglo XX. La figuración y la Abstracción Geométrica. Mis influencias en esta serie vienen, desde la figuración con el arte barroco y desde la abstracción con los movimientos que se dieron principalmente en países como Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela o Cuba, para citar los ejemplos más importantes. Los movimientos abstractos que se dieron en el continente tenían una forma de ver el arte que era distinta a la abstracción que se dio en Europa, era totalmente utópico y generó varios movimientos que tuvieron una enorme vigencia y evolución: Madi, Perceptista, Neoconcretismo, etc… Mis influencias, o los artistas de los que me baso para estas obras son varios, pero puedo citar mi interés particular en Tomás Maldonado, Lygia Clark, Geraldo de Barros, Judith Lauand o Carmen Herrera entre muchos otros.

Pienso que “Möbius” es un proyecto en proceso, sé que quiero seguir explorando la pintura en relación con la fotografía, o la abstracción en soportes fotográficos, pero no sé a dónde me llevará todo esto, eso es precisamente lo que me apasiona de esta experiencia, pienso que algo vendrá, pero no tengo idea de qué.